Dans cet article le tutoriel Piano Solo en video avec partition, et différentes versions du morceau à découvrir.

Le titre

Le titre de ce morceau du compositeur vénézuélien Aldemaro Romero fait référence à une rue, ou plus précisément, à deux « angles de rue » du centre historique de Caracas, capitale du Venezuela.

Les rues et avenues du centre de Caracas ont des noms que la plupart du temps les habitants délaissent au profit des noms plus pittoresque des angles des rues.

Ainsi de « Conde » à « Principal » désigne la portion de l’avenue « Est 0 » qui se trouve entre ces deux angles (« esquinas » en espagnol).

Alors que « De Conde a Principal » est une composition en 3/4 avec harmonie Jazz représentative du style « Onda Nueva », un rythme né en 1968 et résultant de la fusion des genres traditionnels vénézuéliens, du jazz et de la bossanova.

Vidéo Tutoriel Piano Solo

Ci-dessous les détails en images de l’adaptation solo que j’ai défini, avec l’aide de ma prof, quand j’ai commencé à apprendre le morceau.

Le principe peut se résumer comme ceci: il faut au moins trois notes, la fondamental, la tierce et la 7ème. Nul besoin de les jouer en même temps, au contraire, l’ordre sera choisi en fonction de l’endroit où se trouve la mélodie sur le clavier.

Si nécessaire, vous pouvez baisser le tempo d’une video Youtube, dans le menu des paramètres de la vidéo (cliquez sur l’icône Paramètres). Voir la page d’aide Youtube à ce sujet.

Il y a quelques différences entre la partition écrite et la vidéo associée (voir ci-dessous).

Parfois lorsqu’on connait suffisamment le morceau on commence à se laisser emporter par des fantaisies plus ou moins élaborées

Partition du tutoriel Piano Solo

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Adaptation Piano Solo "De Conde a Principal"

Partition 2 pages

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Version piano de l’Album « Aldemaro desde Jazz »

Dans le CD1 « Aldemaro desde Jazz » de la compilation ci dessous se trouve une version très proche de l’original, suivi de quelques mots du compositeur.

Version piano très douce et nostalgique « Jazz desde Aldemaro »

Dans le CD 2 « Jazz desde Aldemaro » de la même compilation que la version précédente.

Version Symphonique

Version chantée

Le compositeur a accepté d’écrire des paroles presque 40 ans après avoir composé le morceau instrumental!

Il existe une deuxième version des paroles par un autre auteur appelé José Ramón Angarita et dont le sous-titre est « Amor sin final » (amour sans fin).

Ci-dessous une interprétation que je trouve très belle avec les premières paroles écrites par le composteur Aldemaro Romero lui même.

Paroles écrites par le compositeur Aldemaro Romero

« Il y a toujours la ruelle de Conde a Principal.
Seuil de ma ville perdue
Le fantôme d’une autre vie
Comme celle que j’ai vécue »

(A las dos Marías)

« Montaña señorial llena de sol,
y el callejón de Conde a Principal
Postal del suelo caraqueño,
cristal reflejo de mis sueños,
umbral de mi ciudad perdida,
el fantasma de otra vida
como la que yo viví

Aquella era una villa dulce y grata,
se escuchaban serenatas por doquier,
la música junto a la poesía
convertían la noche en día
cantándole a la mujer

Los años han pasado,
en mi ciudad todo ha cambiado
y sólo quedan recuerdos del ayer.
Y ya no ven mis ojos
la ciudad de techos rojos
de los lienzos milagrosos de Cabré (bis)

Me queda mi ciudad. Aún está allí
el callejón de Conde a Principal,
umbral de mi ciudad perdida,
el fantasma de otra vida
como la que yo viví. »

Copyright 2007 by ALDEMARO ROMERO / SIAE Roma, Italia.

Source: https://groups.google.com/g/alt.music.lyrics.spanish/c/4LP4rkNNe3w

Version Trio avec le compositeur Aldemaro Romero au piano

Dans cet extrait d’un concert donné vers la fin de sa vie, on voit le compositeur Aldemaro Romero lui même au piano interpréter le morceau « De Conde a Principal ». La vidéo permet d’apprécier son jeu pianistique (et à travers les paroles du morceau qui suit c’est son sens de l’humour qui transparait intacte, hehe! :p).

Il est accompagné par Gonzalo Teppa à la contrebasse et Andrés Briceño à la batterie.

Version coup de coeur avec cuatro vénézuélien et basse (C4 Trio)

Avec des solos de cuatro la version est un mélange d’improvisation jazz et de son traditionnel modernisé :p.

Mot de la fin

J’espère que le morceau vous aura plu. Si c’est le cas, vous pouvez contribuer de plein de façons différentes à la création d’autres contenus similaires:

• Lisez l’article concernant un autre morceau incontournable du même compositeur en version piano de groupe: « Quinta Anauco (Aldemaro Romero) – Les Dessous du morceau »

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L’article Tutoriel piano solo « De Conde a Principal » (Aldemaro Romero) est apparu en premier sur LePianoAgile.com.

Avoir quelques règles peut s’avérer utile. Ne serait-ce que pour se donner des priorités et pouvoir apprendre par coeur d’abord les positions les plus souvent utilisées, ou celles qui sonnent le mieux.

La stratégie d’apprentissage des accords

D’abord, il y a quelques différences à connaitre selon qu’on souhaite jouer en groupe ou en solo.

Ensuite, même si on souhaite jouer au plus vite des morceaux, il peut s’avérer positif à moyen terme de chercher à capitaliser aussi sur l’apprentissage des accords.

Voici donc dans les sections qui suivent, une vue d’ensemble des quelques notions et règles qui jusqu’a présent m’ont le plus servi, avec des suggestions pour travailler les différentes positions de base des accords.

Le cour terme: Jouer à tout prix

Quand j’ai commencé à apprendre le piano je voulais jouer des morceaux à tout prix. Ca me prenait un temps fou, même une fois que j’avais défini ce que j’allais jouer en terme de doigtés et de positions.

J’ai fini par réaliser que lorsqu’on travaille un morceau pour le jouer, on apprend plus ou moins par coeur une configuration donnée, on travaille la fluidité, le rythme, un certain enchainement d’accords, etc…. pour ce morceau en particulier. 

Ce travail est utile mais il n’est pas entièrement capitalisable, car seule une partie de ce que vous faites pour un morceau vous aidera à jouer plus facilement le morceau suivant. C’est un travail destiné à bien jouer un morceau de A à Z. 

C’est super plaisant et très satisfaisant. Cependant ce travail est différent du travail d’intégration des accords -quelque soit le morceau-, qui passe aussi par un entrainement plus systématique pour intégrer les différentes positions.

L’étude des accords: Capitaliser

Tout comme le travail de déchiffrage d’une mélodie dévient plus facile lorsqu’on s’entraine pour améliorer sa vitesse de lecture de notes. De même le déchiffrage de la grille d’un morceau deviendra d’autant plus aisé que vous saurez traduire instantanément sur le piano les différents accords.

A mes débuts, j’avais beau enchainer l’étude de trois morceaux par semaine pour mes ateliers (sans compter celui que je travaillais pour mon cours de piano)… j’avais l’impression de me reposer à chaque fois les mêmes questions, de faire face aux mêmes doutes sur le choix des positions d’accords… Je n’avais pas toujours l’impression que j’avançais.

J’étais dépassée et je cherchais des tutoriels sur Youtube pour les apprendre par coeur et pouvoir m’en sortir pendant les ateliers. Bref, je ne gagnais pas trop en savoir faire… je tournais comme le hamster dans sa roue, et je m’épuisais.

Lorsque j’ai commence à étudier de façon systématique les accords, j’ai commencé à constater que petit à petit, à chaque nouveau morceau des positions d’accords commençaient à venir de plus en plus naturellement. Les ayant déjà étudié sous forme d’exercice, le fait de les utiliser sur des morceaux venait renforcer l’integration de ces positions qui commençaient à devenir « connues ».

« Capitaliser » implique donc que vous cherchez à intégrer des outils basiques qui soient réutilisables quelque soit le morceau que vous aborderez. 

Le choix des positions entre esthétique et pédagogie

Le choix des positions d’accords semble être surtout une question de beauté du son, et souvent -mais pas toujours-, de facilité d’enchainement.

Et comme la beauté a une composante subjective, vous imaginez bien, plus on avance plus on découvre qu’il n’y a pas vraiment des règles absolues. Ca dépend beaucoup des goûts, des styles, du niveau et des préférences du pianiste ou du prof que vous avez en face.

Je soupçonne les pianistes de faire souvent comme il leur plait et sans vraiment se soucier d’aucune règle. Mais certains parmi eux, en particulier ceux qui enseignent, ont défini quelques repères avec une intention à la fois pédagogique et esthétique. Afin que les apprentis pianistes s’y retrouvent dans leur apprentissage et les auditeurs dans le plaisir des sons harmonieux.

L’avantage d’avoir des repères c’est qu’on est sur que ça sonne suffisamment bien. Même si vous trouverez toujours quelqu’un pour vous parler des subtilités dans pleins de cas particuliers car on n’en finit pas d’apprendre, n’est-ce pas?

Appellations des different types d’accords aux piano

Voici quelques appellations entendues au long de ma formation jusqu’à présent.

Il a des accords ou positions « serrés» (block chords) – quand on les réalise au piano les notes sont très proches les unes des autres. 

Les accords ouverts qui sont réalisés avec des notes éloignés pour couvrir un registre plus large sur le clavier.

On peut entendre parler aussi de positions ou renversements ou « voicings ». Pour le piano de groupe ces accords/positions seront plutôt « serrés » avec ou sans fondamentale (« rootless voicings« ). Tandis que pour les accords/positions piano solo ils seront seront plus « ouverts »).

Choix des positions en fonction du contexte de jeu

Piano tout seul= piano orchestre

Lorsqu’on joue au piano tout seul, idéalement, le piano doit, ou plutôt peut, remplir plus d’espace… vous êtes tout seul à jouer alors on joue tout les rôles nécessaires (mélodie, harmonie, basses, rythme). 

Dans ce cas, pour une harmonie plus riche, on privilégie des accords plus ouverts qu’on étale le plus possible sur l’ensemble du clavier pour couvrir un registre harmonique large.

Pas besoin d’avoir des mains de la taille du clavier pour autant! :p. On viendra poser en plusieurs fois les notes qui seront reparties sur le clavier.

On peut sans problème jouer un thème en utilisant ces positions lorsqu’on joue en groupe. Ce n’est pas le moins du monde incorrect, ça sonnera bien quand même. Peut être faudra-t-il voir si les notes basses doivent être jouées une octave au dessus pour éviter de se retrouver trop souvent dans le même registre que la basse, par exemple. 

Il y a des positions d’accords connues pour le piano solo qu’on peut apprendre et s’entrainer à utiliser sur les thèmes étudiés. Elles sont listées plus bas dans la section dédiée à l’étude des positions d’accords au piano.

Une certaine vue du Piano Solo dans le Jazz

« La prestation en solo a évolué vers un exercice d’invention et d’introspection dans lequel l’instrumentiste doit trouver seul les ressources de son expression. On ne peut pas tricher ou se cacher derrière les autres membres d’une section rythmique. Avec le solo, le pianiste aborde le temps de la vérité, celui où il doit faire ses preuves à la fois techniques et avant tout musicales, mais aussi celui où sa personnalité se révèle pleinement : c’est une forme de « challenge » artistique auquel la plupart des pianistes se confrontent un jour. C’est aussi un moment de méditation intime, d’épanchement en toute quiétude, avec comme uniques contraintes celles que l’on s’impose à soi-même, qui fait du solo un laboratoire d’expérimentation… »

Ludovic Florin sur le site de la Philharmonie de Paris

Le Piano dans un groupe ou avec un accompagnement

Sachez qu’il y a des pianistes qui aiment utiliser plutôt des positions d’accords serrés pour le jeu de groupe. Car on peut facilement les plaquer en bloc sur le piano, ce qui donne un son particulier, plus dense.

Pour enrichir encore cette façon de jouer en groupe, certains ne jurent que par les accords serrés sans fondamentale. On vient alors ajouter une note supplémentaire à la place de la fonda (une note de couleur avec ou sans alterations); souvent la 9ème de l’accord ou alors aussi la 11ème ou 13ème.

Pour savoir comment construire ces positions groupe voir plus bas la section dédiée à l’étude des positions d’accords au piano.

S’entrainer avec un accompagnement virtuel

Le trio classique en jazz est fait de: Piano, Contrebasse et batterie. Pour vous entrainer à jouer dans ce contexte vous pouvez utiliser un accompagnement virtuel.

J’utilise l’appli iRéalPro. C’est une appli payante mais, franchement je suis toujours très satisfaite de mon investissement! Je la recommande vivement à tous ceux qui souhaitent s’entraîner à jouer en groupe, mais pas seulement car l’application peut remplacer le métronome et rendre l’entrainement plus ludique. Attention quand même à ne pas oublier de vous entrainer avec le metronome tout simple aussi pour le piano solo… c’est important pour prendre l’habitude de tenir le tempo et remplir l’espace tout seul comme un grand.

Choix en fonction de la mélodie

Lorsqu’on expose le thème d’un morceau, on choisi les positions d’accords qui permettent de mettre en relief la mélodie. Ainsi, si la mélodie monte dans les aigus  nous auront la possibilité d’utiliser des positions aussi plus vers les aigus, et souvent avec plus de notes. 

Si la mélodie descend dans les graves, nous auront moins de possibilités et parfois nous ne pourront jouer qu’une ou deux notes de l’accord maximum, en plus de la mélodie.

Les positions d’accords à apprendre en priorité

Pré-requis

Avant tout, pour ce qui suit vous devez connaitre (ou pouvoir retrouver) les notes qui composent un accord =>13579 (fondamentale, tierce, quinte, septième, neuvième).

Vous avez quelques lignes dans l’article concernant les connaissances théoriques utiles en piano jazz, et vous trouverez beaucoup de ressources sur internet qui expliquent en long et en large les bases de l’harmonie (triades et tétrades).

Au niveau livres en français, je connais: « En Harmonie – Fondements de l’harmonie tonale et modale dans le jazz. Tome 1 » de Lilian Dericq et Etienne Guéreau.

Je trouve le contenu très clair et structuré, et les exercices proposés permettent de mémoriser progressivement les éléments de base de l’harmonie.

Dans la première moitié du tome sont abordés les éléments qui nous intéressent dans cet article: intervalles, les triades – accords de trois sons- et tétrades -accords de quatre sons.

La deuxième moitié va ensuite plus loin avec l’étude des gammes et l’analyse harmonique, pour ceux qui souhaiteraient en apprendre d’avantage.

Positions d’accords serrées (Piano de groupe)

Ces positions d’accords plutôt « serrés » peuvent être utilisées aussi bien pour l’exposition du thème que pour l’improvisation car elles libèrent la main droite.

Notez cependant que pour l’exposition du thème, la mélodie entrainera parfois des contraintes. Il se peut que les règles ci-dessous ne soient pas directement applicables. Auquel cas on pourra choisir une autre position en fonction de la mélodie, comme mentionné précédemment.

Tous les choix sont possibles, ce n’est qu’une question de gout et de facilité de réalisation au piano. On pourra par exemple choisir une position piano solo avec seulement quelques notes à la main gauche. Par exemple 1 7 si c’est dans les graves. Ou alors on enlèvera quelques notes à l’accord serré. 

Positions de base (1357 et 5713)

On peut utiliser des accords serrés (avec la main gauche) qui incluent la fondamentale de l’accord. Ce type d’accord peut servir aussi bien à jouer tout seul qu’en groupe.

• Si l’accord est dans le registre grave A à D, on privilégie le renversement sur la 5te (5713)
• Puis de D à A, ça sera plutôt la position fondamentale (1357)

Positions plus chic (3579 et 7913)

Pour les accords serrés sans fondamentale et avec une 9ème pour donner de la couleur:

• Dans le registre de F à C, plutôt un renversement sur la 7è avec 9ème en plus (7935). On enlève la 9ème pour les accords semi-diminués. 
• Puis de C à F, on privilégie un renversement sur la 3ce avec une 9ème en plus (3579). Pour les accords semi-diminués, remplacer la 9éme par la fonda 3571.

Pour illustrer ces propos, ci-dessous une vidéo avec un choix d’accords pour le standard «Fly me to the moon ».

L’objectif initial est de privilégier les positions d’accords piano de groupe serrées sans fondamentale.

Voir aussi plus bas la grille d’étude des positions serrées dans toutes les tonalités qui montrent le choix des positions en fonction du registre.

Exemples de choix en cas de contraintes imposée par le thème

Dans la vidéo d’exemple, en fonction de la mélodie, il y a des moments ou d’autres positions sont utilisées.

• Par exemple, à 0’36 » de la vidéo: pour l’accord Am7, la mélodie descend jusqu’à la note C (Do). C’est la position 571 – 3 qui est utilisée, au lieu de 7935. Ca permet de garder au moins 3 notes de l’accord à la main gauche.

Si on voulait utiliser le position sans fondamentale, on garderait seulement 79 à la main gauche. C’est possible. C’est une question de goût.

• Un autre exemple à 1’24 » pour l’accord G7 la mélodie descend jusqu’à la note C à nouveau. Si on voulait utiliser la position 7935, on ne pourrait garder que les notes 79 à la main gauche (pour éviter d’avoir un demi-ton entre la 3ce et la mélodie).

Alors une alternative possible c’est de jouer 1-7 à la main gauche (position ouverte) qu’on complète avec 9 à droite en plus de la mélodie.

Pour d’autres exemples de chois de position d’accords, voir dans la catégorie Blog/Les Dessous des Morceaux

Positions d’Accords ouverts (Piano Solo) : 1735(9) et 1379(5)

Les accords plus ouverts sont en principe plus jolis lorsque le piano est tout seul. Sans bassiste le piano peut remplir le registre des graves de façon plus systématique afin de donner plus de profondeur. Comme je disais au début, rien n’empêche d’utiliser ces positions en groupe.

C’est clairement plus stylé  :p, mais je trouve que c’est plus difficile aussi. 

Il y a d’autres positions, bien sur, mais 1735(9) et 1379(5) me semblent indispensables à connaitre. Pour choisir laquelle des deux utiliser la règle est la suivante:

• Si l’accord est dans le registre de  F à C, on choisira un voicing 1735(9). Par exemple: G7 -> 1735(9) =G F B D et éventuellement 9 (A)
• Puis de C à F, plutôt 1379(5). Par exemple: DMaj7 -> 1 3 7 9 (5)= D F# C# E et éventuellement 5 (A)

La répartition au niveau des mains dépends de plusieurs facteurs mais on peut s’entrainer à faire les 3 modalités suivantes.

Réalisation à Deux mains – expo du thème (1 7 – 3 5 / 1 3 – 7 9)

2 notes à la main gauche et 2(ou 3) notes à la main droite.

Ce qui donne: 1 7 / 3 5 (9) ou 1 3 / 7 9 (5)

Réalisation à Deux mains – accompagnement (1 – 7 3 5 / 1 – 3 7 9)

Utile pour accompagner lorsqu’on fait par exemple duo avec quelqu’un qui joue la mélodie ou la chante.

A la main gauche on joue une note. Au choix, par ordre de difficulté vous pouvez vous entrainer à faire:

• Niveau 1: la fondamentale sur le premier temps de chaque mesure
• Niveau 2: la fondamentale puis la quinte de l’accord (temps 1 et 3 de la mesure par exemple) 
• Niveau 3: une ligne de basse si on sait faire.

Puis à la main droite, les autres notes de l’accord. Ce qui donne:

• 1 – 7 3 5 / 1 – 3 7 9
• 1 (ou 5) – 7 3 5 / 1 (ou 5) – 3 7 9
• note de la ligne de basse – 7 3 5 / note de la ligne de basse- 3 7 9

Réalisation tout à la Main gauche (1 -> 7 3 5 / 1 -> 3 7 9)

On joue tout à la main gauche, en accord brisé: d’abord la fondamentale, ensuite le reste des notes; ou l’inverse.

Parfois on peut ne pas jouer toutes les fondas. Utile pour l’improvisation car libère la main droite.

Pour l’improvisation

On pourra simplifier ces positions d’accords un peu plus pour improviser. Il suffit d’utiliser 137 et 173 avec la main gauche en une fois, ou en accord brisé selon le cas. Ce qui permet de libérer le plus de ressources possibles pour se consacrer à l’improvisation.

Intégrer les positions d’accords

Pour intégrer les différentes positions d’accords et les avoir dans les mains, on peut d’agir sur au moins deux axes en parallèle : 

• les travailler telles quelles seulement comme un exercice, en utilisant une grille mais sans chercher à jouer un thème. On joue juste l’harmonie avec les positions d’accords.
• les utiliser dans un ou plusieurs thèmes

Travailler les positions dans toutes les tonalités

Une bonne façon d’intégrer chaque position, indépendamment d’un thème, est de suivre la grille des 12 tonalités. Et s’exercer à les faire au piano de façon systématique.

Ci-dessous un exemple avec les positions sans fondamentale pour le piano de groupe.

Il faut procéder par étapes et éviter à tout prix de se sentir débordé.

D’abord sans métronome: posez vos mains sur un accord puis ressentez, regardez et écoutez. Si vous travaillez les positions sans fondamentale, pour bien écouter, rajoutez la fondamentale avec la main droite (de préférence passez par dessus la main gauche pour aller jouer la note dans les graves) pendant que la gauche tient l’accord. Puis passez à l’accord suivant.

Lorsqu’on commence à les connaitre choisir d’abord un tempo lent qu’on augmente ensuite progressivement un peu chaque jour.

Il faut s’organiser pour intégrer cet exercice (quelques lignes ou entièrement selon vos possibilités) à votre routine d’entrainement pendant un certain temps.

L’idéal est de pouvoir en faire un peu chaque jour, éventuellement quelques lignes, jusqu’à avoir balayé l’ensemble des tonalités avec les différentes qualités d’accords qu’on souhaite travailler (Xmaj7, X7, Xmin7, Xmin7b5,Xdim,X6,Xmin6…)

Priorités par type d’accord

Vous aurez à étudier petit à petit les different types d’accords. Prenez votre temps, ne vous imposez pas de tout apprendre avant de vous mettre à jouer. Surtout si cela vous semble une corvée. Décidez de quelques lignes à apprendre, de façon à ce que cela devienne facilement atteignable et vous puissiez avancer petit à petit.

Par ordre de priorité vous pouvez choisir les types d’accords comme suit. Puis pensez à alterner au gré de vos besoins et de vos envies:

• Priorité 1: XMaj7, X7, Xmin7
• Priorité 2: Xmin7b5, Xdim
• Priorité 3: X6, Xmin6

Travailler les positions d’accords avec la grille d’un morceau

En parallèle, au fur et à mesure que vous rencontrerez ces positions dans les grilles d’un ou plusieurs thèmes de votre choix, cela vous aidera à mieux les connaitre progressivement puisque vous les utilisez activement. 

Mais un bon entrainement à chaque fois qu’on apprend un nouveau morceau, est de faire les différentes positions d’accords sur la grille d’accords du morceau en question (cela vous aidera en plus à mémoriser la grille du morceau en même temps). Dans un premier temps, ne tenez pas compte de la mélodie. Puis ajoutez la mélodie quand vous serez plus à l’aise.

Et inversement, si dans un thème vous rencontrez des nouvelles qualités d’accords que vous n’avez pas encore travaillé (des accords diminués par exemple), vous pouvez les étudier indépendamment du thème comme suggéré juste avant, à l’aide de la grille des 12 tonalités.

Le mot de la fin

Apprendre des morceaux et étudier les accords au piano sont des activités complémentaires et on peut les inclure toutes les deux dans nos séances d’entrainement.

Il se peut que le répertoire avance un peu moins vite au début, mais vous savez que ça n’en sera que plus facile par la suite.

En effet, lorsqu’on a transpiré de façon répétée en tant que débutant à chaque fois qu’on aborde un nouveau morceau, on a vite envie que cela prenne une autre forme. Que cela ne soit plus «un éternel recommencement laborieux»… et que ça devienne de plus en plus fluide.

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Origine du nom « Yardbird Suite »

« Yardbird Suite est un standard de bebop composé par le saxophoniste de jazz Charlie Parker en 1946. Le titre combine le surnom de Parker « Yardbird » (souvent abrégé en « Bird ») et une utilisation familière du terme de musique classique « suite ». La composition utilise une forme AABA de 32 mesures. »

Extrait et traduit du site en.wikipedia.org

Le choix d’accords au piano (vidéo mémoire digitale)

Pour plus détails sur la logique générale du choix des accords pour harmoniser un morceau vous pouvez lire l’article dédié: « Comment choisir les accords au piano et comment les étudier« .

Ci-dessous vous trouverez la vidéo « lente » de « YardBird Suite » avec iRealPro réglé à 120 bpm. Il s’agit encore d’une petite vidéo de référence pour ma bibliothèque personnelle d’apprentie pianiste (la liste actuelle est disponible ici et/ou sur la chaine Youtube LePianoAgile).

J’ai dit une vidéo lente, même si les accords semblent défiler à toute vitesse à 120 bpm, car c’est du Bebop ne l’oublions pas. Donc, ça serait idéalement du 224 bpm, à en croire la grille du RealBook.

La vidéo faisant office de mémoire digital, je vais pouvoir laisser respirer ce morceau. Un moment de séparation non définitive, je l’espère, tout du moins- sans risquer d’oublier comment m’y prendre avec lui, quand ça se sera calmé entre nous. Je vais ainsi arrêter de le triturer. C’est que j’ai encore en travers de la gorge le massacre lors de la première jam après la rentrée d’octobre. Je n’avais rien d’autre de vraiment prêt pour pouvoir jouer, alors j’ai remis ce morceau sur le tapis. Après tout je l’avais déjà joué plusieurs fois en public. La fois de trop ? Peut-Être. Ca ne m’empêche pas de soupçonner le batteur d’avoir accéléré, tellement j’avais l’impression de courir derrière. Comment savoir, me direz-vous.

A noter sur la vidéo

• Les accords utilisés pour l’expo du thème sont souvent des accords avec fonda et style « piano solo ». Merci à Sylvain mon prof de piano à la Bill Evans Piano Academy qui voulait me faire bosser! arg!
• Pour le reste (impro, accompagnement) c’est plutot des accords piano de groupe sans fondamental (« rootless voicings », en anglais). Pour plus de détails voir l’article consacré aux Positions d’accords – comment les choisir et comment les étudier.
• J’ai aussi ajouté des extraits souvenir de la jam du stage de Vauvert. Ainsi que l’impro initialement censurée par l’éditrice (ndlr: moi même et mon auto-jugement). 

Rappels

• Dans la vidéo les accords sont en notation américaine. Les positions choisies sont indiquées à l’aide des notes de chaque accord (1357). Pour plus de precisions sur ces notions voir l’article TOP5 de connaissances théoriques utiles en piano jazz.
• Si nécessaire, vous pouvez baisser le tempo dans l’appli Youtube. Allez dans le menu des trois petits points en haut à droite de la vidéo, puis choisissez vitesse de lecture. Cela ne marche pas sur un navigateur web, seulement dans l’appli.
• Vous trouverez des ressources (grille, accompagnement audio…) pour vous entrainer à jouer ce morceau ici: YardBird Suite (Charlie Parker)- Ressources.

Je fais la connaissance de Yardbird Suite

C’est lors des atelier trio l’année dernière que j’ai découvert ce morceau. Les élèves contrebassistes du prof de trio – Jacques Vidal, contrebassiste lui même- devaient apprendre à jouer le thème . D’après ce que je comprends: des questions de rythme, phrasé, débit, en font un thème d’étude fort intéressant.

J’apprends à connaitre le morceau

J’aime bien son style que je trouve « cool ». Et, à première vue la grille ne me semblait pas trop compliquée. J’ai commencé à l’apprendre dans mon coin avec les voicings groupe.

Seulement, comme je l’ai déjà dit, je soupçonne mon prof de Piano d’avoir fait exprès de me donner des positions piano solo pour l’exposition du thème. Ca a rendu la tache plus difficile, je tiens à le dire :p.

De toute façons le thème descend assez bas dans les graves, il fallait donc trouver des solutions pour les accords à la main gauche. Le but étant d’éviter de jouer le thème une octave plus haut (ça ne rend pas pareil n’est-ce pas?).

Quoique sur ce point précis, les pianistes et profs ne me semblent pas être tous du même avis. Tant mieux – ou tant pis?- pour les apprenties pianistes qui n’en ont alors que plus de choix.

Pas plus vite que la musique

Parfois, j’ai beau essayer de passer plus de temps avec le même morceau, il y a des choses qui prennent du temps à s’installer: s’intégrer au niveau des mains et des méandres du cerveau. C’est en particulier vrai quand j’essaye des positions d’accord style « piano solo ».

Je ne sais pas si c’est le cas pour d’autres apprentis pianistes. Parce que c’est vrai que je consacre quand meme plus de temps à m’entrainer pour jouer en trio, mais peut être aussi que le piano solo est plus exigeant car vous êtes tout seul à devoir tenir la baraque. Oui, c’est très probablement un peu des deux.

J’ai donc dû étaler mes efforts dans le temps. J’ai approchais le thème très lentement; au début 4 mesures par 4 mesures, puis par partie: A1, A2 puis B. Et ce, pendant plusieurs mois. En parallèle je côtoyais d’autres thèmes histoire de faire bonne présence aux ateliers trio hebdomadaires, et que Yardbird suite puisse progressivement se préparer à y prendre part.

Plus vite le Bebop « Parker »

J’ai appris, longtemps après avoir commencé Yardbird Suite, que ce genre de thèmes Bebop sont toujours joués à vitesse « hypersonique » ou presque. Il était trop tard pour faire machine arrière -ça aurait été dommage!- j’avais dans l’idée que je pouvais le jouer à un tempo raisonnable -pour moi- et que ça ferait peut-être ressortir le coté mélodieux du thème. Le problème c’est que les musiciens aguerris qui vous accompagnent ne sont pas toujours du même avis.

Quand j’ai commencé à avoir le thème dans les mains, je l’ai joué en atelier, puis dans une jam des élèves, puis finalement après moult hésitations je l’ai choisi pour le concert de fin d’année. J’avais tant bien que mal réussi à le faire à ma vitesse lors des 2 ou 3 ateliers (comme je disais, les musiciens ont la fâcheuse tendance à s’emballer lorsqu’il s’agit d’un thème Bebop), alors pourquoi pas mener l’experience un niveau au dessus. J’imagine que c’est purement psychologique, mais je trouve qu’un concert est tout de même beaucoup plus stressant qu’une simple jam entre élèves à l’école.

Je joue Yardbird Suite au concert de fin d’année des élèves

Sur la péniche Le Marcounet où a eu lieu le concert des élèves, il y avait un piano droit. Un Schimmel, je crois, qui restait de marbre malgré la chaleur étonnamment étouffante pour une fin de mois de Mai. Il m’a vraiment semblé très dur alors que l’assistance fondait, littéralement, sous la chaleur générés par les rayons de soleil estival qui inondaient la salle comble de la péniche.

Quand ce fut enfin mon tour, après une très longue et pénible attente (plus j’attend plus le trac s’installe), aux out de seulement quelque s meures j’avais l’impression que mes doigts restaient collés aux touches. Comme lorsque les mains sont plus ou moins anesthésiées par le froid et les mouvement deviennent plus lents.

On ne peut évidemment pas s’entrainer sur le piano avant le concert. On arrive et on attend notre tour puis… ça passe ou ça casse. Je comprends mieux maintenant pourquoi certains pianistes se déplacent avec leur propre piano pour les concerts. D’autres exigent une marque et un modèle précis pour accepter de se produire quelque part.

Les différences entre pianos

D’ailleurs, depuis l’expérience du premier concert de fin d’année j’essaye régulièrement de m’entraîner sur des pianos de marque différente. Il y a trois marques de pianos droits aux Studios de Musique de la Cité Universitaire où je me rends au moins une fois par semaine pour m’entrainer sur des vrais pianos.

Ils ont un Schimmel dans un des quatre studios individuels, mais qui ne ressemble pas à celui de mes souvenirs du concert, même s’il a un toucher relativement conséquent. Ma préférence va quand même au Yamaha U1, puis ce Schimmel 120T vient en deuxième position. Le toucher du Kawai K500 me semble trop mou et les aigus un peu trop brillants – je n’en raffole pas. Et pour ce qui est du Petrov 250 je n’arrive pas à me décider, je le prend en 3ème option seulement.

Pour revenir au concert des élèves, quoiqu’il arrive on s’accroche comme on peut jusqu’à finir le morceau. C’est ce que j’ai fait. Mais j’étais distraite par la sensation de découvrir un piano si dur à croquer. Un peu aussi par le micro installé au dessus pour amplifier le volume du piano, et qui faisait parvenir le son de l’autre bout de la salle où se trouvaient les hauts-parleurs. Etranges sensations qui avec le trac vous font même capter, comme un radar, le bruit ambient et le pas des gens qui vous passent autour pendant que vous jouez.

La voix de l’auto-jugement

Pendant que je jouais, mes pensées se laissaient emporter par la petite voix du diablotin qui s’acharne dans ces cas-là sur mon épaule – inquiet du risque qu’on puisse se rendre ridicule.

Cependant, je dois dire, qu’il y a eu à chaque étape du parcours, tout au long de l’année, beaucoup de satisfaction. Celle qu’on ressent à l’idée d’avoir franchi un pas: le premier atelier et les suivants, la première jam et toutes les jams de la première année, le premier concert des élèves.

Ce premier concert de fin d’année n’a pas été l’exception. J’étais très fière de l’avoir fait même si je n’étais pas très contente de mon ressenti global pendant que je jouais le morceau.

Et, en général, ce fameux ressenti lorsque je joue reste assez variable et presque « aléatoire ». Ca a beau être le même morceau, j’ai beau me dire que plus je le joue mieux je devrais le jouer… ce n’est pas vraiment comme ça que ça se passe.

Je reste assez sensible à tout ce qui pourrait m’influencer, que ce soit avant de jouer ou pendant que je joue. C’est un point auquel je réfléchi souvent. Je pense que ça sera le sujet d’un futur article, tant la problématique m’interpelle.

Parfois, nous avons la chance de rencontrer quelqu’un qui nous pousse à croire en notre propre capacité musicale. Personne ne peut le faire à notre place, mais ça fait en bien fou d’avoir un reflet positif et bienveillant de temps à autre, et ça peut aider à remonter la pente plus vite après une déception.

Je joue Yardbird Suite en Jam Jazz à Vauvert

Apres le concert de fin d’année et les derniers ateliers au mois de juin, j’ai enchainé au mois de Juillet avec une semaine de stage de Jazz à Vauvert. Stage intense et sympathique avec trois jams prévues dans la semaine.

J’ai réussi à placer Yardbird Suite lors de la deuxième jam. D’ailleurs, le prof qui dirigeait la jam – contrebassiste aussi – semblait interloqué par le fait que quelqu’un connaisse et propose de jouer ce morceau. Et moi qui croyais que c’était un grand classique parmi les étudiants de jazz! Le fait est qu’il n’y a pas eu d’autre volontaire -parmi les stagiaires « soufflants »- pour jouer le thème ou faire un solo.

J’ai fini par me dire que c’est surtout les contrebassistes qui étudient ce morceau, haha ! comment savoir! Il faudrait que je fasse une petite enquête: Connaissez-vous Yardbird Suite de Charlie Parker? Ou alors, avez-vous l’impression de l’avoir déjà entendu? Et à ceux qui répondent par l’affirmative: Mais quel est donc votre instrument principal?

Ceci dit, rendez-vous à la fin de l’article pour les versions à écouter, et vous me direz si vous aussi vous le connaissez.

Les imprévus et l’improvisation

Parenthèse fermée pour les questions d’enquêtes, je me trouvais soulagée au moment de la jam à Vauvert, car je pouvais jouer le morceau tel que je l’avais préparé, c’est à dire en trio et en exposant moi même le thème au piano.

C’est que voyez-vous, très souvent le moindre petit changement peut me perturber au point de me faire quasiment oublier un morceau, ou certaines de ses parties. Il se présente sous un air étranger, inconnu pour ainsi dire.

J’ose espérer que ça ira mieux avec le temps et l’experience. Car après tout, s’adapter aux imprévus et le propre de l’improvisation. Et, que ce soit dans le Jazz, dans les musiques latino-américaines, et dans la vie en général… « c’est mieux quand on improvise »… et ce n’est pas moi qui l’ai dit.

Le piano numérique en jam

Le piano dans la salle où avaient lieu les jams à Vauvert, était cette fois un piano numérique tout simple. Vous pouvez voir le fameux piano dans les extraits inclus dans la video.

Il bougeait dans tous les sens et le son était assez irrégulier selon l’endroit du clavier où on jouait (on entendait pas très bien les graves mais certains aigus pouvaient vous couper le souffle par leur ardeur).

En plus, le toucher n’était pas de ces fameux « toucher lourd » qui font augmenter le prix et la côte d’un piano numérique. C’était juste un toucher mou de clavier numérique. J’ai trouvé que c’était plus facile de bouger les mains de façon fluide mais alors qu’est-ce qu’il fallait faire abstraction des irrégularités du son!

En plus, ça semblait représenter tout de même un double avantage pour moi:

1. Mes mains n’étaient pas ralenties par la dureté du clavier,
2. Et, à cause de l’irrégularité du son, j’ai du déconnecter la partie du cerveau qui juge -pendant que je joue- de la qualité du son de ma prestation.

C’était très agréable! Et de ce fait, je me suis laissée entrainer par l’enthousiasme contagieux de Marc, le stagiaire batteur (un pianiste pro!) qui avait bien voulu m’accompagner avec Salem, le bassiste attitré de la jam. D’ailleurs Marc souriait souvent en jouant, comme s’il s’amusait (!).

L’absence d’auto-jugement au piano

On aimerait que ça se passe comme ça à chaque fois! que ça coule, que ça roule… que la petite voix s’eclipse et ne fasse plus qu’une seule et unique entité fluide avec la musique.

Et c’est ce qui m’amène à citer ci-après quelques extraits du livre « Effortless mastery » que je suis en train de lire.

En plus, ces mots me rappellent, encore une fois, que je ne suis pas seule face à cette problématique de l’auto-jugement :

« Nous devons bloquer la voix de l’auto-jugement dans notre tête avec une foi absolue. Si vous pouvez entendre vos notes comme étant belles, elles seront belles. Même celles qui sont laides !

Vous devez abandonner le besoin de bien jouer. Sinon, vous ne pourrez pas vraiment lâcher prise !

En enlevant du cœur tous les désirs générateurs d’anxiété, il ne reste plus que la perfection. »

Extrait et traduit du livre « Effortless Mastery » de Kenny Werner

L’art de jouer relax

L’absence d’auto-jugement n’est bien sur qu’une étape. Mais elle permet d’être dans des meilleures dispositions pour apprendre, d’avoir plus de ressources disponibles pour l’essentiel du travail pendant la préparation d’un morceau.

« Au moment où il est devant le public, le musicien ne doit penser à rien, ne douter de rien, ne rien appréhender: il doit plutôt se couler dans la musique sans stress aucun, un état parfait de liberté mentale et physique…

Et comment y arriver? … Lorsqu’il répète, le musicien doit intégrer au maximum tous les paramètres techniques qui lui permettront — c’est la clé — de n’y plus penser devant le public… La pensée est l’ennemi de la performance. Elle est par contre essentielle lors de la répétition. »

Extrait de « Kenny Werner, ou l’art de jouer relax… », Guillaume Bourgault-Côté sur le site ledevoir.com

Version piano par Bud Powell

Yardbird Suite version chantée par Cyrille Aimée

Je pense que c’est un morceau instrumental à l’origine, mais j’avais quand même réussi à trouver une version chanté que j’aimais beaucoup, par la chanteuse américaine Anita O’day. Malheureusement la video sur Youtube est devenue indisponible et je ne l’ai plus trouvée.

C’est alors que quelqu’un m’a parlé de la version de la jeune chanteuse française Cyrille Aimée, que je vous laisse découvrir ci-dessous…

Le mot de la fin

Amusez-vous bien! Et si vous avez des questions ou des remarques laissez-moi un commentaire ci-dessous .

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L’article YardBird Suite (Charlie Parker) – Apprentissage au piano, amours et désillusions est apparu en premier sur LePianoAgile.com.

Voici mon top 5 des connaissances musicales théoriques de base indispensables et utiles en piano jazz en particulier, mais aussi lorsqu’on s’intéresse aux accords et à l’harmonie au Piano.

N’attendez pas, prenez votre temps

Pour ceux qui aimeraient s’y mettre un jour et qui n’ayant pas fait de formation musicale attendent le bon moment:

Avant tout, sachez que oui, vous pouvez gagner du temps, même si vous attendez d’avoir un piano ou un clavier, ou de trouver le prof qui va bien, où que les cours commencent dans l’école/classe de votre choix, ou que vos enfants soient plus grand pour vous y mettre à fond…

Vérifiez dans la liste ci-dessous. S’il y a des connaissances que vous ne maitrisez pas encore, alors vous pouvez vous y mettre doucement dès maintenant. 

En effet, ce sont des choses qui prennent un peu de temps à être intégrées, et qu’il vaut mieux faire un peu tous les jours. Voici sans plus tarder.

#1 La notation américaine des accords

Le C D E F G A B ne devrait plus vos poser aucune difficulté. A savoir:

C= Do, D= Ré, E= Mi, F= Fa, G= Sol, A= La, B= Si

#2 La lecture de notes en clé de Sol

Deux lignes supplémentaires en haut et en bas de la portée c’est déjà pas mal.

D’abord, il suffit de prendre vos repères, mémorisez d’abord où se trouvent les 3 notes de Do, puis les 3 notes de Sol sur la portée en clé de Sol. 

Ensuite, il ne vous reste plus qu’à vous entrainer à retrouver les notes à proximité à l’aide de ces repères. 10 à 15 minutes par jour suffisent.

Il existe des manuels progressifs, mais sinon n’importe quelle partition peut faire l’affaire. Lisez les nom des notes à voix haute.

Pour plus de précisions sur la lecture de notes voir l’article« 3 conseils pour accélérer sa vitesse de lecture de notes ».

#3 Connaitre et entendre les intervalles

Les secondes (2), tierces (3), quartes (4), quintes (5), sixtes (6), septième (7) ne doivent plus avoir de secrets pour vous, en quelque sorte ;p

Pour s’entrainer à entendre les intervalles et à les chanter

Il existe des nombreuses applications pour smartphone. Vous pouvez consacrer quelques minutes par jour à jouer avec l’appli. Progressivement vous connaitrez et reconnaitrez de mieux en mieux les intervalles. Sachez que ces des fonctions séparées: parfois on les connait intellectuellement mais on ne les reconnait pas; ou alors on les entend fis on n’arrive pas à les chanter.

De toutes les applis que j’ai essayé, ma préférence va vers l’application gratuite suivante:

• MyEarTraining – Ear training pour iPhone.
• MyEarTrainer – Ear Training pour Android

Pour les connaitre de façon théorique et sur le piano

Les sources d’information et les façons de les voir sont très nombreuses sur internet. Voir aussi à la fin de l’article la section Livres pour aller plus loin.

Voici quelques pistes rapides de base pour vous permettre de démarrer dans la compréhension. Sachez toutefois que petit à petit on les apprend par coeur sans avoir à compter:

Pour trouver le nom de l’intervalle

Il suffit de savoir combien de notes de la gamme on parcourt avec l’intervalle. Vous devez connaître donc les degrés d’une gamme majeure.

Dans le cas de  la gamme de Do par exemple, les notes de la Gammes (et les Degrés correspondants) sont ceux-ci:

Do (I) – Ré (II) – Mi(III) – Fa (IV) – Sol (V) – La (VI) – Si (VII)

L’intervalle entre Sol et La ou entre Do et Ré s’appelle une « seconde ». Deux notes de la gamme sont parcourues pour aller de la note de début à la note de fin de l’intervalle.

L’intervalle entre Sol et Si s’appelle une « tierce ». Trois notes au total de la gamme sont parcourues (Sol, La ->Si), comme pour  aller de Do à Mi (Do, Ré->Mi).

Ainsi de suite, une quarte concerne quatre notes de la gamme donc par exemple de Do à F (Do- Ré- Mi-> Fa), ou de Fa à Si (Fa- Sol-La->Si).

Pour l’intervalle de septième on parcourt les 7 notes de la gamme. Exemple: L’intervalle de Do à Si ou de Ré à Do, ou de Mi à Ré (Mi-Fa-Sol-La-Si-Do->Ré).

Pour l’octave on revient à la note de départ mais une octave plus haut. Soit, 8 notes au total.

Pour caractériser un intervalle

Il faut connaitre plus précisément la distance en nombre de tons ou demi-tons. Mais comme je disais auparavant on fini petit à petit par les apprendre par coeur sans avoir plus besoin de compter. C’est magique. D’abord on se rappelle des plus utilisées, puis ensuite on déduit les autres à partir de ceux qu’on connait.

Ainsi vous saurez si l’intervalle est majeur, mineur, juste, augmenté ou diminué.

Les intervalles dans leurs états plus courants sont:

• Seconde majeure (2) ou mineure (2m)
• Tierce majeure (3) ou mineure (3m)
• Quarte juste (4) ou augmentée (#4) ou diminuée (b4)
• Quinte juste (5) ou augmentée (#5) ou diminuée (b5)
• Sixte majeure (6) ou mineure (6m)
• Septième majeure (7M) ou mineure (7m).

Ensuite, en enlevant ou rajoutant des demi-tons on peut abaisser ou hausser encore ces intervalles. Le seul exemple qui je trouve souvent utilisé est celui de la septième diminuée qu’on obtient en abaissant d’un demi-ton une 7ème mineure.

#4 Connaitre les notes des accords jazz (triades et tétrades)

Au minimum les accords majeurs (X), mineurs (Xmin), semi-diminués (Xminb5), diminués (Xdim).

Vous devez savoir quelles sont les notes qui composent chaque accord. Là encore il a plein d’information disponible sur internet selon les préférences de chacun.

Pour illustrer de quoi il s’agit, regardons un exemple.

Pour un accord de C(Do) les principales possibilités que vous devez connaitre petit à petit par coeur pour les 12 notes de la gamme sont les suivantes:

• C= Do=   C-E-G= (Do, Mi, Sol)
• Cmin= Do mineur=   C-Eb-G= (Do, Mi bémol, Sol)
• CMaj7= Do Majeur 7 (la 7ème est majeure)= C-E-G-B= (Do, Mi, Sol, Si)
• C7= Do7= C-E-G-Bb= (Do, Mi, Sol, Sib)
• Cmin7 = Do mineur 7= C-Eb-G-Bb= (Do, Mib, Sol, Sib)
• Cmin7b5 = Do mineur 7 bémol 5 ou Do semi-diminué= C-Eb-Gb-Bb= (Do, Mib, Solb, Sib)
• Cdim7 = Do diminué 7= C-Eb-Gb-Bbb= (Do, Mib, Solb, Sibb)
• C6= Do 6 = C-E-G-A= (Do, Mi, Sol, La)
• Cmin6= Do mineur 6 = C-Eb-G-A= (Do, Mib, Sol, La)

#5 Connaitre par coeur les gammes majeures

C’est tout un sujet ! Comme mentionné dans le point #2 vous devez savoir quels sont les degrés d’une gamme majeure pour les 12 tonalités.

Pour ceux qui ont fait du classique apparemment la question ne se pose même pas, on les apprends un point c’est tout. 

Lorsqu’on fait du jazz on aimerait en plus qu’elles viennent toute seules poussées d’elles mêmes par l’harmonie d’un morceau. Passer d’une gamme à l’autre au grès des changements d’accords sans y penser ou presque.

D’où l’importance apprendre les gammes à toutes les sauces. Ensuite, si vous vous attaquez à l’apprentissage de l’improvisation, le travail consistera à bien intégrer dans quel contexte on utilise chacune de ses gammes… mais encore une fois ça c’est l’étape d’après.

Si vous avez besoin d’un fil conducteur avec des priorités pour apprendre ou réviser les gammes majeures, vous pouvez télécharger mon Planning d’entraînement Gammes Majeures ici:

Si vous cherchez à retrouver une Gamme majeure au piano

Pour retrouver les gammes, le temps de les apprendre par coeur, il a différents moyens théoriques.

Mais si vous vous y perdez vous pouvez toujours revenir vers l’image du clavier pour la gamme de Do majeur qui est entièrement composée de touches blanches.

Entre deux touches contigües -quelque soit la couleur- il y a un (1) demi-ton. C’est le plus petit intervalle. Une gamme majeure a deux de ces demi-tons: Mi-Fa puis Si-Do.

Pour les autres degrés il y a toujours une touche noire avant la prochaine touche blanche ce qui veut dire que la distance est de 2 demi-tons et non pas un seul. Exemple: distance Do-Ré = 2 demi-tons,=> on enjambe 1 touche noire (Do#) puis on atterri sur la prochaine touche blanche (Ré).

Si vous regardez sur le clavier vous aurez la signature d’une gamme majeure en nombre de demi-tons: 2 2 1 2 2 2 1 . Ce qui est aussi: Ton Ton Demi-ton Ton Ton Ton Demi-ton.

Ensuite pour les autres tonalités les mêmes intervalles (distances) doivent être respectés entre les different degrés de la gamme. Ainsi par exemple pour la gamme de Ré Majeur on se retrouve avec: Ré, Mi, Fa#,Sol, La, Si, Do#.

Si vous n’êtes pas encore familier avec les gammes majeures, regardez sur le clavier et vérifiez que les distances correspondent bien.

BONUS: Connaître les principales progressions d’accords (cadences)

Si vous voulez commencer à aller plus loin… et ce même si vous ne connaissez pas encore très bien les accords (item #4). Une fois que vous connaissez la notation américaine (#1) et les intervalles (#3), vos pouvez avancer vers les cadences (progressions d’accords) les plus connues.

A minimum vous devez savoir retrouver facilement tous les II V I,  et les IV I….

L’image ci-contre montre la liste des II V I Majeurs dans les différentes tonalités.

Essayez d’apprendre par coeur que par exemple pour la première ligne: dans la gamme de Ré Majeur (I) le II c’est Em7, et le V c’est A7.

Au début ça parait difficile et petit à petit ça devient tout naturel.

Une façon de mémoriser les cadences V-I est en se servant du cycle des quintes ou des quartes selon le sens dans lequel on parcourt (que vous apprenez par coeur):

• le cycle des quintes : F(Fa) – C(Do) – G(Sol)- D(Ré) – A(La) – E(Mi) – B(Si).
• Et à l’envers le cycle des quartes: B(Si) – E(Mi) – A(La) – D(Ré) – G(Sol) – C(Do) – F(Fa)
• Et si on continue le cycle des quartes -> F (Fa) – Bb (Si bémol) – Eb(Mi bémol) -Ab(La bémol) – Db(Ré bémol) – Gb(Sol bémol) – Cb(Do bémol)

Vous remarquerez que dans la figure ci-dessus les V – I se retrouvent dans le cycle des quartes (quintes) de façon consécutive:

• A-D,
• G-C,
• F-Bb,
• Eb-Ab,
• Db-Gb

Puis:

• B- E
• Bb-Eb
• Ab-Db

Livres pour aller plus loin

Lecture de notes

Harmonie

Pour toutes les notions d’intervalles, accords, gammes, un livre en français très structuré écrit par des professeurs de la Bill Evans Piano Academy, où vous pouvez aussi suivre les cours sur l’année. J’apprécie en particulier les exercices pour bien intégrer les notions étudiées:

En Harmonie – Fondements de l’harmonie tonale et modale dans le jazz. Tome 1″, de Lilian Dericq , Etienne Guéreau

Le mot de la fin

Voilà donc pour ce résumé du TOP 5.

Combien de points connaissez-vous déjà sur les 5? Si vous ne maitrisez pas les 5 notions citées dans l’article, alors quel sera votre prochain objectif?

Y a-t-il d’autres connaissances théoriques que vous auriez mis dans la liste en priorité?

Si vous avez des questions/remarques n’hésitez pas à me laisser un commentaire ci-dessous ou à m’envoyer un message (menu Contact).

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L’article Top 5 connaissances théoriques utiles en Piano Jazz est apparu en premier sur LePianoAgile.com.

Introduction

Au mois de novembre dernier, d’après mon journal piano… mon coeur était happé par une Nouvelle Vague (Onda Nueva) vers une certaine maison iconique à Caracas appelée « Quinta Anauco ».

Mon choix s’était porté sur cette composition lorsqu’il fallait choisir un nouveau morceau à apprendre pour mon atelier trio. Que j’ai fini par jouer aussi quelques mois après pendant mon premier concert des élèves de l’école de Jazz où je prenais des cours.

J’ai trouvé la grille-partition (ou plutôt le « Lead sheet« ) dans le « Libro Real » – équivalent du RealBook pour la musique traditionnelle vénézuélienne . J’en avais rêvé et en vérité il existait ce RealBook! C’était lors d’un stage d’été de musique vénézuélienne, organisé par l’association SONAR que j’ai pu me le procurer.

La grille dit bien 3/4 mais, d’après le prof des ateliers trio, parfois un 6/8 ou alors des mesures à 2 temps aux croches pointées venaient s’immiscer dans l’affaire, hum…

J’ai regroupé les pièces à conviction en images en attendant d’y voir plus clair car j’avoue que je n’ai pas encore bien tout saisi, je jouais un peu comme ça venait, et ça ne venait pas tout le temps pareil ;p…

Tutoriel Vidéo avec les position d’accords au piano

Ci-dessous les détails en images, au rythme « carré » de iRealPro avec en vignette les images du concert!

Quelques précisions sur le choix des positions d’accords:

• Lorsque la mélodie le permet (elle n’empiète pas sur la main gauche), j’utilise des accords sans fondamentale soit 3579 ou 7935 selon les cas.
• Si la mélodie viens plus vers les graves, alors c’est plutôt des voicings avec fondamentale soit: 1357 ou 5713 selon les cas.

Si nécessaire, vous pouvez baisser le tempo d’une video Youtube, dans le menu des paramètres de la vidéo (cliquez sur l’icône Paramètres). Voir la page d’aide Youtube à ce sujet.

Les ressources disponibles

Vous trouverez ci-dessous les ressources nécessaires (grille, accompagnement audio, fichier iRealPro…) pour vous entrainer à jouer ce morceau.

Structure utilisée

La structure de base du morceau est AAB.

Les ressources ci-dessous sont structurées comme ceci (voir aussi la grille iRealPro plus bas):

*Intro:8 mesures 
*Thème AAB 
*Solos AA
*Reprise thème B 
*Coda:4 mesures

Note:  il peut être utile d’écrire la structure que vous voulez sur une autre feuille que celle de la grille, et l’apporter en même temps pour les autres musiciens avec qui vous compter jouer, si tel est le cas.

Pour « Quinta Anauco » ça donne ceci:

Accompagnement  audio pour piano

Cet accompagnement inclut la basse et la batterie à 110 ppm. Si vous n’avez pas l’appli genre iRealPro, vous pouvez vous entrainer avec cet audio:

Grille d’accords iReal Pro à imprimer

Fichier au format iRealPro

Pour ouvrir dans iReal Pro:

• iOS: dans Mail appuyez et maintenez le fichier .html et choisissez Copier dans iReal Pro. En Dropbox, ouvrez le fichier .html, choisissez Exporter -> Ouvrir dans… -> Copier dans iReal Pro
• Mac: faites glisser le fichier .html sur l’icône iReal Pro App dans le dock
• Android: ouvrir le fichier .html avec iReal Pro.

Ma version préférée du morceau

Vous trouverez aussi ci-dessous ma version préférée du morceau. C’est une interprétation du groupe de musique vénézuélienne « Ensamble Gurrufío ».

Je l’ai visionnée en boucle pendant que je m’entrainais… et je me répète mais: ça fait un bien fou de jouer avec des pro sans avoir peur de se tromper, alors pourquoi se priver

En savoir plus et contribuer

J’espère que le morceau vous plaira ou vous donnera envie d’en savoir davantage su ce genre de musique du monde. Si vous ne l’avez pas encore vu, allez découvrir un autre incontournable du même compositeur en version piano solo: De Conde a Principal (Aldemaro Romero)- Les dessous du morceau

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D’après mon journal Piano, je rêvais donc d’aller sur la Lune. Je me délectais avec le swing inoubliable de la voix de Frank Sinatra qui sortait de mon enceinte JBL Clip2. Mais la grille réaliste du New RealBook voulait me faire garder les pieds sur Terre avec un certain Howard Bart (jamais entendu son nom auparavant, oups!).

A l’aide de quelques complices j’ai fini par élaborer ma feuille de route. Pour ceux qui seraient tentés par l’aventure d’un vol sur la Lune… voici le résultat:

• Vous avez d’abord un exemple d’harmonisation avec des accords pour piano de groupe -lorsqu’on est accompagné.
• Ensuite, un exemple d’harmonisation avec des accords pour Piano Solo.

Dans les exemples ci-dessous vous verrez les accords en notation américaine et les positions choisies à l’aide des notes de chaque accord (1357). Pour quelques precisions sur ces notions voir l’article TOP5 de connaissances théoriques utiles en piano jazz.

Pour plus détails sur la logique générale du choix des accords pour harmoniser un morceau vous pouvez lire aussi l’article dédié: « Comment choisir les accords au piano et comment les étudier« .

Fly me to the moon- Accords piano de groupe

• Vous trouverez toutes les ressources nécessaires (grille, accompagnement audio…) pour vous entrainer à jouer ce standard dans la page Fly me to the moon -ressources pour le jeu en trio (groupe).

• Et ci-dessous les détails en images, au rythme « carré » de iRealPro:

Fly me to the moon- Accords Piano Solo

Ma version préférée par Franck Sinatra

Une fois que j’ai commencé à connaitre le morceau, afin de varier les plaisirs, je me suis amusée à jouer avec et pour Franck Sinatra. Et oui. C’est vraiment le pied de pouvoir jouer avec des grands sans avoir peur de se tromper, n’est-ce pas?

Ci-dessous ma version préférée, celle qui m’a transportée (pas tout à fait sur la Lune quand même) lorsque je m’entrainais en boucle…

Si nécessaire (au cas où vous ne le sauriez pas encore), vous pouvez baisser le tempo dans l’appli Youtube: menu des trois petits points en haut à droite de la vidéo-> vitesse de lecture. Cela ne marche pas sur un navigateur web, seulement dans l’appli.

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Aujourd’hui, avec un peu de recul, je dirais que mon top 3 des raisons de choisir le piano jazz lorsqu’on veut apprendre les accords a piano et s’accompagner seraient:

1. La richesse harmonique
2. La créativité à travers l’improvisation
3. L’ouverture aux musiques du monde

Déchiffrons ensemble…

Muscler son cerveau grâce à la richesse harmonique des accords Jazz au piano

Au début je me suis lancée sur le chemin du Jazz presque sans trop savoir, me fiant seulement à mon intuition ou presque…

En Ma réflexion était du style: qui peut le plus peut le moins… je ne croyais pas si bien dire. Le jazz en effet vous introduit à un monde aux harmonies beaucoup plus riches et… complexes.

Il existe à ce propos différentes déclinaisons de blagues comparatives entre musique pop et jazz:  4 accords et 50000 spectateurs, ou 50000 accords et 4 spectateurs; ou la même chose avec les revenus par nombre d’accords joués dans un concert… je vous laisse deviner entre musique Pop et Jazz, a qui correspondent ces affirmations.

Je pense qu’on peut toujours rendre n’importe quel morceau beaucoup plus riche et intéressant avec une petite touche d’harmonisation jazz. 

Et une fois que vous commencez à vous familiariser avec les accords Jazz à toutes les sauces et dans tous leurs renversements… l’harmonie se fait progressivement place à travers vous jusqu’aux touches du piano.

C’est très agréable de constater la progression dans la connaissance des accords au piano, pourvu qu’on prenne le temps d’apprécier le chemin sans être trop pressé d’arriver à un but futur. C’est comme tout dans la vie.

Si vous vous comparez à des super pianistes en train de fignoler leur énième Dan d’harmonie, vous ne verrez que le reste à parcourir et vous risquez de vous décourager.

Ayez l’intention de profiter à chaque étape de la nouvelle liberté acquise par votre cerveau en vous entrainant de façon régulière…
Vous verrez les accords défiler de mieux en mieux devant vous, et dans vos oreilles (externes mais aussi l’oreille interne).

Muscler sa créativité à travers l’improvisation

Créer des nouvelles mélodies autour d’accords enrichis

Lorsqu’on apprend les accords a piano, dans un context un jazz, on aborde de façon quasi-systématique l’apprentissage de l’improvisation. Il s’agit de mettre en oeuvre toutes les connaissances théoriques et ou votre oreille pour développer des variations du thème en gardant la meme structure harmonique.

Ce à quoi je n’avais pas pensé mais qui m’allait à ravir: l’improvisation n’est autre chose  qu’un moyen de mettre votre créativité en action et de devenir compositeur le temps d’une impro!

L’improvisation vous permet d’embellir vos accords, vos thèmes, et de composer vos propres mélodies!!

« S’agit-il d’un rôle de composition? Absolument. Improviser n’est pas faire n’importe quoi au hasard: il s’agit bien de créer, mais sans passer par l’écrit. »

-JF Zygel, Interview Le Figaro

L’improvisation ne s’improvise pas

Il faut en apprendre les bases et beaucoup beaucoup s’entrainer… où alors y aller à l’oreille et aussi beaucoup beaucoup s’entrainer… mais vous vous entrainez à laisser la musique venir à vous (cerveau -oreille interne) et ensuite à la reproduire (avec vos petites mains et/ou avec la voix). 

« …improviser demande un très gros travail d’élaboration… En jazz, on n’improvise pas à partir de rien avant d’avoir improvisé des vingtaines de fois autour des grands standards. »

–JF Zygel, Interview Le Figaro

L’improvisation dans le jazz et la musique classique

L’improvisation ne sert pas que dans le jazz, au contraire, mais de nos jours, dans le jazz vous êtes quasi-obligé d’aborder l’improvisation dès le début…

Dans la musique classique les compositeurs du passé étaient des pros de l’import, même si la tradition semble s’être estompé au profit d’une interprétation précise du répertoire existant:

« Czerny disait que les improvisations de Beethoven ­valaient mieux que ses sonates. Du temps de Mozart, on venait au concert pour le voir improviser, et pas pour entendre ses sonates qu’on avait chez soi. Lorsque Liszt se produisait à Paris, on pouvait lire sur les affiches: «François Liszt, improvisations. »

-JF Zygel, Interview Le Figaro.

Improviser pour transformer l’erreur

Et un autre avantage, et non des moindres, l’improvisation vous permet aussi d’apprendre à  vous rattraper de mieux en mieux quand vous grippez sur une note ou un accord qui n’était pas prévu au départ. Vous pourrez ainsi les appeler notes de passage ou accords de passage ;p

Et lorsqu’on joue en groupe, il peut être grisant de faire preuve de créativité et collaboration. Pourvu qu’on veuille s’entendre et travailler en équipe, lorsque une erreur fait son apparition, dans l’idéal: on met aussitôt l’erreur à la poubelle et on continue.

« Les individus accompagnent l’erreur et se mobilisent pour proposer un rétablissement…. le jazz fait bouger les normes. Le pianiste s’est trompé, mais ce qu’il faut observer c’est la manière dont les partenaires se positionnent pour réparer cette rupture… l’erreur conduit les musiciens à modifier la structure du morceau, mais pour autant ils conservent une continuité de la musique…  »

Charles Calamel. LE JAZZ ET L’INSTITUTION. ADAGES 30ans, Apr 2016, Montpellier, France. <hal-01359793>

Un tremplin vers d’autres musiques du monde

La Bossa Nova du Brésil

La bossa nova (Nouvelle Vague brésilienne) est considéré comme faisant partie du Jazz et fait appel aux mêmes outils.

Si vous aimez les thèmes très mélodiques, le son mystérieux des accords diminués et la clarté des sixtes dans vos accords, alors comme moi, vous serez ravi.  Les thèmes incontournables de Antonio Jobim les plus connus vous disent peut être quelque chose: « The girl from Ipanema », « Corcovado », « Chega de Saudade »… etc…etc…

Le Jazz et la musique traditionnelle du Venezuela

Ces derniers temps je m’amuse avec la Onda Nueva (Nouvelle Vague vénézuélienne) créée par le compositeur Aldemaro Romero.

En particulier une de ses compositions « Quinta Anauco ». Une chanson qui parle du commencement de l’amour, avec une très belle mélodie.

Ci-contre une version chanté et avec orchestre.

Et pour ceux qui veulent découvrir les accords au piano, voire s’entrainer à jouer ce morceau vénézuélien, voir l’article Quinta Anauco-Harmonisation Piano de groupe.

Un autre exemple de morceau vénézuélien (une valse à l’origine) joué par un trio de Jazz en France:

Bonus:  les accords au piano d’Alicia Keys

J’aime beaucoup certaines chansons d’Alicia Keys, musicienne que j’admire beaucoup…

Elle est non seulement belle et talentueuse, elle joue très bien du piano !… elle a était un peu un modèle d’inspiration, et ses chansons font souvent appel à des accords un peu jazz, je le sais maintenant

Quand j’ai commencé le piano j’apprenais (par coeur sans rien y comprendre!) deux de ses chansons: « Prelude to a Kiss » et « Superwoman ».

J’avoue que ça a fait pencher un peu la balance, et j’ai ainsi fini par me lancer sur la voie de l’école de Jazz lorsque je cherchais à continuer mon apprentissage du piano.

Le mot de la fin

Voilà donc pour les 3 raisons principales qui m’ont fait entrer dans le monde du piano jazz. Non pas que je m’intéresse qu’à la musique jazz dans la vie…. loin de là. Mais je suis plutôt satisfaite de mon choix.

Et vous? êtes-vous tenté par l’apprentissage du piano jazz ? ou si vous vous êtes déjà lancé sur cette voie qu’est que vous appréciez le plus ?

Portez-vous bien! et donnez-moi de vos nouvelles!

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L’article Les accords au piano et autres raisons pour choisir le Piano Jazz est apparu en premier sur LePianoAgile.com.